Catégorie : Nous proposons

jusqu'au 3 mars 2013
aux Ateliers Berthier, à Paris

création

de mise en scène par Joël Pommerat
scénographie et lumière Éric Soyer
musique originale Antonin Leymarie
costumes Isabelle Deffin
son François Leymarie
vidéo Renaud Rubiano

avec Saadia Bentaïeb, Agnès Berthon, Yannick Choirat, Philippe Frécon, Ruth Olaizola, Marie Piemontese, Anne Rotger, David Sighicelli, Maxime Tshibangu

Artiste associé à l’Odéon-Théâtre de l’Europe, Joël Pommerat aura joué à fond des possibilités de modulation que lui offre Berthier. Il y a eu l’arène circulaire de Ma chambre froide qui concentrait notre attention sur le monde d’Estelle (si limité et si vaste à la fois, fermé de toutes parts et s’ouvrant peu à peu de l’intérieur). Il y a eu la boîte à l’italienne de Cendrillon, somptueux sarcophage tantôt cruellement transparent, tantôt pesant comme une crypte qui tiendrait pourtant lieu d’abri.

Voici à présent cette «vallée» dont parlait Pommerat dans un texte récent, aire de jeu tout en longueur comprimée entre nos deux haies de regards. L’arène ou la boîte suggéraient, de par leur relative clôture, que quelque chose de l’action dramatique venait s’y laisser prendre pour être observé tout à loisir, comme dans une cage ou un dispositif expérimental.

Par contraste, la scène bifrontale (tout en donnant un relief particulier à la pression qu’imprime sur le plateau la masse du public – pression qu’elle rend perceptible en tendant à ce public, tel un miroir, sa propre moitié lui faisant face) laisse à ses deux extrémités la zone de jeu et les gradins se terminer, de façon également abrupte, sur des issues qui semblent appeler un mouvement de fuite.

Là où Schnitzler avait imaginé une ronde pour suivre la course folle d’éros à travers la société de son temps, Pommerat a disposé un défilé : entre nos deux Corées de spectateurs, un no man’s land où nul ne peut résider, espace contraint, passage obligé où les corps, un instant, s’engagent les uns après les autres comme les grains d’un sablier avant de poursuivre hors champ leur trajectoire mystérieuse ou banale.

Qu’est-ce qui donc défile à travers ce goulet ? La Réunification des deux Corées se compose d’une vingtaine de moments dramatiques aux dimensions aussi diverses que leurs climats : une «mosaïque» de «nouvelles» (les termes sont de l’auteur) dont Pommerat a longuement éprouvé la structure au plateau avec ses comédiens et son équipe. Il incombe désormais à chaque spectateur de contribuer activement (comme dans d’autres spectacles de la compagnie Louis Brouillard auxquels celui-ci pourrait faire songer : Cercles / Fictions, par exemple) à bâtir un autre type de cohérence à base d’échos, d’affinités de forme ou de contenu, d’inflexions et de variations autour du thème de l’amour – quel que soit le sens que l’on donne à cette expérience fondamentale que nous partageons tous, ne serait-ce qu’en éprouvant son absence. À partir de quelques-unes de ses figures, Pommerat en a esquissé une sorte d’état des lieux à l’orée du XXIe siècle, posant quelques balises au bord d’un territoire commun pour nous offrir d’en reconnaître encore, toujours, l’étrangeté.

production : Odéon-Théâtre de l’Europe, Compagnie Louis Brouillard, Théâtre National de Bruxelles, Folkteatern – Göteborg, Teatro Stabile di Napoli – Naples,Théâtre français du Centre national des Arts du Canada – Ottawa, CNCDC de Châteauvallon, La Filature Scène Nationale – Mulhouse, les Théâtre de la Ville de Luxembourg.

en collaboration avec Teatrul National Radu Stanca – Sibiu.

Avec le soutien du Programme Culture de l’Union européenne.

Résidences de création au Théâtre National – Bruxelles, au Centre National de Création et de Diffusion Culturelles de Châteauvallon et à l’Odéon Théâtre de L’Europe/Ateliers Berthier.

La compagnie Louis Brouillard est conventionnée et reçoit le soutien du Ministère de la Culture/Drac-Ile-de–France et de la Région Ile-de-France.

Réserver en ligne

Réserver par téléphone : (+30) 01 44 85 40 40
du lundi au samedi de 11h à 18h30 (à l’exception des jours fériés).

Accès et horaires

7.01 - 03.02.2012
Théâtre d'Ivry Antoine Vitez
 durée 3h10

CREATION

texte français : Michel Cadot
mise en scène : Guy Pierre Couleau 
assistanat à la mise en scène : Carolina Pecheny
scénographie : Raymond Sarti
lumières : Laurent Schneegans
costumes : Sabine Siegwalt
assistée de : Annamaria Rizza
musique : Paul Dessau, Philippe Miller 
maquillage : Kuno Schlegelmilch 

avec

Pierre Alain Chapuis, Luc Antoine Diquero, Sébastien Desjours, François Kergourlay, Nolwenn Korbell, Pauline Ribat, Rainer Sievert, Fanny Sintès, Serge Tranvouez, Jessica Vedel, Clémentine Verdier

PUNTILA – Ce qui est encore pire, c’est que pendant ces accès de sobriété totale, insensée, je tombe carrément au niveau de la bête. A ce moment-là je n’ai plus la moindre inhibition. Je suis alors pleinement responsable de mes actes.

De Brecht à Chaplin

Cette pièce, écrite en 1940, dépeint le caractère ambigu et imprévisible d’un propriétaire foncier, Maître Puntila, dont l‘alcoolisme transforme singulièrement la personnalité. Sobre, il est méprisant, colérique, calculateur. Ivre, il devient prodigue, affable, proche des travailleurs. Le témoin privilégié de ses métamorphoses n’est autre que son valet Matti, dont l’intelligence et l’esprit de liberté donnent à son langage une grande saveur comique et ironique. Mais le valet finit par se lasser des changements d’humeur violents de son maître et décide de s’émanciper.

Ma première inspiration pour mettre en scène Maître Puntila et son valet Matti provient du film de Charlie Chaplin Les Lumières de la ville. Dans ce film, Charlot, un vagabond, se lie d’amitié avec un millionnaire excentrique qui le traite avec tous les égards lorsqu’il est ivre, mais oublie de le reconnaître quand il est sobre. C’est cet argument qui sert de base et de prétexte à Brecht pour écrire la fable géniale de Maître Puntila.

Puntila et son valet Matti, autre face de lui-même, sont les deux visages d’un même être intemporel et universel : l’homme dans sa duplicité, alternativement porté vers la douceur du partage généreux et altruiste ou bien aliéné d’un égoïsme profond, qui le rend dépendant de sa propre méchanceté.

Brecht qualifie lui-même Maître Puntila et son valet Matti de “ Volkstück ”, c’est-à-dire de “ pièce populaire ”, littéralement de pièce du peuple. Par les moyens d’écriture les plus variés, passant du didactisme à un certain lyrisme, du tragique à la comédie, il explore beaucoup des possibilités qu’offre le théâtre pour contribuer à changer le monde. Mais peut-être surtout, pour toucher l’autre en face de lui et par le théâtre, provoquer en son frère humain une réflexion personnelle, une quête intime de vérité et une introspection joyeuse, ludique et profonde.

Guy Pierre Couleau

Production Comédie De l’Est Centre Dramatique National d’Alsace. Coproduction Théâtre Firmin Gémier/La Piscine – Scènes Vosges/Epinal, La Coupole à Saint Louis, Le Théâtre des Quartiers d’Ivry. Avec la participation artistique du Jeune Théâtre National. L’Arche est éditeur et agent théâtral du texte représenté.

Aller à Ivry

Billeterie en ligne

« Tout bas… si bas »

une pièce de Koulsy Lamko

Mise en scène: Joanna Andraos & Wissam Kotait
Scénographie et Costumes: Nadim Deaibes
Création sonore: Jawad Nawfal
Lumières: Kobayashi Issa
Direction technique: Marc Khoury
Traduction: Edmond Hedded

Distribution

Joanna Andraos
Daniel Balabane
Samar Baldo
Caroline Hatem
Jean-Elie Jed
Wissam Kotait
Dana Mikhail
Karim Monsef

Synopsis
Un père démissionnaire perché sur un arbre, une vieille sans descendance chassée de son village pour sorcellerie, et une gamine précoce prête à tout pour s’en sortir, annonce la naissance d’un bébé miraculeux.
Telle est la trinité qui ouvre la pièce.
A peine annoncée, la naissance du bébé, relayée par la voix d’un reporter, devient l’objet de toutes les convoitises et attire les représentants d’un pouvoir frelaté: l’Armée, l’Eglise, l’Islam, l’Autorité politique. « Tout bas… si bas » fait écho au contexte libanais et jette un regard onirique et critique sur le fonctionement d’une société ancrée dans des traditions obsolètes.

Dates
Du 13 décembre au 16 décembre à 20h30 précises.
Le 27, et 28 décembre à 20h30 précises

LE TOURNESOL – TAYYOUNEH
Reservation
Tél: 00961 (0) 1- 38 12 90 et (0) 3- 67 52 64

Info: Shams Association

S Druge Strane (De l’autre côté)

spectacle en croate surtitré en français

La Colline
Grand Théâtre

du 13 Décembre 2012
au 20 Décembre 2012

durée 1h15

du mercredi au samedi à 20h30
le mardi à 19h30 et le dimanche à 15h30

spectacle de Nataša Rajković et Bobo Jelčić
avec Nikša Butijer, Jadranka Ðokić, Ksenija Marinković, Krešimir Mikić

« L’histoire d’une vie a beau tenir en une seule phrase, enfin de compte, il est rassurant de savoir que cette phrase peut être formulée de millions de manières différentes. »

Artistes croates, Bobo Jelčić et Nataša Rajković travaillent ensemble depuis une quinzaine d’années. Leur théâtre, désormais connu sur beaucoup de scènes européennes, s’invente avec les acteurs. Confiants dans la poésie du hasard, ils pratiquent des collages de réel et de jeu, en mêlant des bribes de conversations, le monde des objets, des situations quotidiennes, au vécu des comédiens et à leur propositions de jeu. De l’autre côté met en scène quatre personnes solitaires qui tentent de raconter leur histoire au public. Au centre une femme, la quarantaine, qui ne va pas très bien… Autour d’elle son fils, une voisine, un ami, d’abord compatissants, deviennent peu à peu allergiques à son manque d’énergie : la machine des reproches et des accusations s’emballe… Sur ce canevas volontairement banal, se développe un spectacle décalé, aigu et souvent drôle : cadeau du théâtre à ce qu’a de singulier et de précieux la vie d’une famille moyenne – à moins que ce ne soit la vie qui fasse ici cadeau à la scène de sa folie ordinaire.

production
Zagrebačko kazalište mladih (Théâtre des Jeunes de Zagreb) coproduction Centar za dramsku umjetnost 
(Zagreb), Hebbel - Am - Ufer (Berlin), Theorem (Riga)

coréalisation La Colline – théâtre national, Festival d’Automne à Paris, dans le cadre de “Croatie, la voici”, Festival croate en France organisé par le ministère des Affaires étrangères et européennes, le ministère de la Culture et de la Communication, le ministère croate des Affaires étrangères et européennes, le ministère de la Culture de la Croatie et l’Institut français, avec le soutien de la ville de Zagreb

compagnie
Croatie La Voici, le festival de la Croatie en France

Réservations:
+ 33 (0) 1 44 62 52 52
billetterie@colline.fr

billeterie en ligne

Le spectacle Ubu roi sera présenté à Paris, à l’Athénée Théâtre Louis-Jouvet, du 13 au 18 novembre: le spectacle mis en scène par Alain Timar sera joué six fois devant le public français, dans la grande salle du théâtre. À Cluj, Ubu roi sera présenté une dernière fois avant la tournée le 2 novembre, à 20h.

À propos du spectacle, Maria Zărnescu écrivait dans Yorick, magazine de théâtre en ligne: « La beauté du corps humain est mise en évidence par la bonne forme physique, les qualités vocales et la discipline des acteurs sur la scène: une équipe disciplinée et créative, intelligente et pleine d’humour, unitaire mais composée d’individualités remarquables. La performance des acteurs est individuelle et collective, dans une succession de flux et reflux. Dans le cadre du spectacle, les scènes individuelles alternent avec celles collectives.

Par cela, le metteur en scène Alain Timar semble avoir découvert le secret de l’équipe du Théâtre Hongrois de Cluj. Un secret qu’il transpose dans des images inoubliables: visages multiples de Mère Ubu et Père Ubu, ainsi que des épisodes remarquables par leur originalité et leur humour – la visite rendue par Capitaine Bordure et ses soldats, la parade du régiment à cheval, l’argent donné au peuple, le prélèvement des impôts des paysannes, les scènes ayant lieu à la cour du tsar Alexeï ou place Varsovie, dont les protagonistes sont Blegoslav et ses partisans, véritable bande de quartier. Des bagarres, des luttes, des absurdités pimentent le spectacle.

Les métaphores créées par le metteur en scène pâlissent parfois devant cette sarabande histrionique, assurant la primauté des acteurs dans le cérémonial scénique. Néanmoins, le papier reste un symbole important et sa fragilité apparente disparaît en raison de ses usages multiples, découverts au fil des siècles. »

***

D’une blague de lycéens farceurs, Ubu roi est devenu, sous la férule et la plume d’Alfred Jarry, une œuvre monstrueuse et mythique à bien des égards:

– par sa réputation d’abord : qui ne connaît pas le couple Ubu? Leur inénarrable et célèbrissime aventure est passée à la postérité…et même dans le langage courant avec le mot ubuesque qui désigne un caractère comiquement cruel et couard,

– par le nombre de personnages ensuite : une bonne vingtaine ainsi que les peuples des villes et des champs, des nobles, des courtisans, pas moins de deux armées, un ours et des fantômes!

– par l’extraordinaire foisonnement d’idées enfin et une liberté de ton tant au niveau du fond que de la forme. Dans ce dépassement des limites, ce franchissement allègre du raisonnable, on reconnaît à coup sûr une veine surréaliste.

Quel plaisir de s’emparer d’une pièce où souffle un vent de révolte et d’insubordination extrême!

Ubu roi dénonce bien sûr les systèmes politiques qui engendrent folie et absurdité de la course au pouvoir, raille les dictateurs accomplis ou en herbe prêts à d’invraisemblables compromissions pour arriver à leur fin, mais plus encore porte un regard caustique mais lucide sur les comportements humains, le tout dans un grand éclat de rire impertinent et salvateur. Le merdre et le cornegidouille du Père Ubu résonnent aux quatre coins du monde pour mieux lancer un défi universel à la bêtise arrogante et triomphante, l’avidité sans scrupules, la bassesse, la veulerie, les lâchetés de vos pauvres frères en la mort comme l’écrit Albert Cohen.

Rions des faiblesses de l’humanité, mais regardons bien dans le miroir : il y a du Père et de la Mère Ubu en nous, du meilleur et du pire, de l’ombre et de la lumière, du fort et du faible, du valet et du maître, du masculin et du féminin, du héros et du traître, du saint et du criminel. Ces personnages nous ressemblent : rions donc de bon cœur… et d’abord de nous-mêmes, rions à nous en faire péter la panse.

C’est dans ce contexte de dérision, d’autodérision et de férocité joyeuse que les acteurs traversent leurs personnages (avec un s), car ici l’habit fait le moine, autrement dit le costume fait vivre le personnage. Oui, chaque acteur peut se retrouver dans la peau du bon ou du méchant, du gagnant ou du perdant en fonction de l’humeur ou de l’histoire. C’est dire combien la dépense physique, l’énergie vitale, une sorte de voracité organique doivent pulser le rythme du spectacle.

J’emploie sciemment ici le mot spectacle car il contient cet esprit d’inventivité et de folie créatrice dans lesquels je souhaite plonger, quitte à transgresser (et avec entrain) les conventions théâtrales.

Regardons , nos acteurs entrent en scène… Les ububerlus déferlent : ils démolissent avec joie, dénoncent avec rage, mais pour mieux ré-enchanter le monde. Ils ont retrouvé l’ingénuité, l’insolence et le pouvoir d’émerveillement de l’enfance, un peu comme Miró ou Picasso à la fin de leur vie.

Je pense aussi à Paul Klee et à Jean Rouch. Le premier pour ces sculptures: petites figurines naïves aux couleurs vives réalisées avec des morceaux de bois, des bouts de ficelles et de chiffons, source d’inspiration certaine pour l’univers plastique. Le second en tant que cinéaste ethnographique et par rapport au jeu des comédiens. Je revois ce fascinant film documentaire tourné au Ghana Les maîtres fous (1954) sur les cultes des Haouka, de l’extrême engagement des participants et de la violence qui se dégageaient de ces danses de possession. Nos ububerlus doivent porter en eux ce rituel d’expiation, exutoire des malheurs du monde, de la cruauté de l’être humain et donc reflet de notre civilisation.

Décidément, le théâtre occidental a beaucoup à apprendre de ces rituels animistes ancestraux du continent africain.

En conclusion et en réaction à la logique rationnelle d’un Descartes et de son fameux: Je pense, donc je suis, cet Ubu roi là pourrait se placer sous le signe de la réflexion cabalistique suivante: Je lis, j’interprète, je critique, je m’oppose, j’écoute, j’écris, je questionne, je réponds, je cite, je ris, je raconte, je nomme, je discute, j’interpelle, je prie, j’apprends, j’enseigne, je vis,… donc je suis.  (Alain Timar)

Père Ubu	Zsolt Bogdán
Père Ubu	Áron Dimény
Père Ubu	Loránd Farkas
Père Ubu	Sándor Keresztes
Père Ubu	Ervin Szűcs
Père Ubu	Loránd Váta
Mère Ubu	Csilla Albert
Mère Ubu	Enikő Györgyjakab
Mère Ubu	Emőke Kató
Mère Ubu	Júlia Laczó
Mère Ubu	Tünde Skovrán
Mère Ubu	Csilla Varga

metteur en scène	Alain Timar
scénographe-costumier	Alain Timar
régie plateau	Imola Kerezsy
régie plateau	Zsolt Györffy

Réserver en ligne
http://www.athenee-theatre.com/