“Oh My Smyrna, My Beautiful Izmir” by Nesrin Kazankaya, Tiyatro Pera from Istanbul

5 - 6.06.2013
Peiraios 260, Building H
in Athens
Buy Tickets

“Oh My Smyrna, My Beautiful Izmir”

videos

Written and directed by: Nesrin Kazankaya

A co-production of
Istanbul Theatre Festival and Theatre Pera

“Oh My Smyrna, My Beautiful Izmir” had premiered on May 20th 2012 and had been performed five times during “18th International Theatre Festival”. The play is a co-production of Istanbul Theatre Festival and Theatre Pera.

The play is in two acts and its total duration is two hours and ten minutes with the intermission. Cast consists of ten actors. With the technical crew, the complete group is 15 persons. Turkish and Greek songs that reflect the tradition of both societies are sung within the dramatic structure. Live music is made with mandolin, bouzouki, clarinet, bendir (type of a traditional drum), which are played by the actors. Both music and dance take place as parts of the story, in the dramatic structure of the play.

The play takes place in 1923 in Smyrna (İzmir), one year after “The Catastrophic Fire of İzmir” burned down the city. ‘The Turkish War of Liberation’ was over; the law requiring ‘Obligatory Exchange’ of Greek and Turkish populations went into effect and forced the communities to immigrate mutually. When the play begins the “Vlasto”s, a wealthy Greek Family with deep cultural roots in Anatolia, are preparing to migrate to Greece from their mansion in Bournabat (Bornova), İzmir. The “Vlasto”s had lived in the center of Izmir, Punta but by taking shelter in Bournabat, a wealthy suburban area, they were rescued from the catastrophic fire of 1922. The Turkish housekeepers, who have lived with the Vlastos, like a family, for decades, are sad witnesses of this migration.

Number of characters belonging both English and Turkish families is ten. The Greek family Vlastos has 7 members. All of them are Smyrneans from birth and have been living in Smyrna ever since. The Vlasto family’s old mother Eleni, is a fourth generation Smyrnean. Her husband died during the 1912 Balkan War. Her son Konstantinos is a famous merchant. He worked for Smyrna Greek Quarters during the war. Konstantinos’ twin had died in the war. Eleni’s little son Theodopulos was enslaved during the war and worked in the camps. Eleni, her sons, her daughter in laws Ioanna and Polyxeni and her grand children live all together. Grandchildren Ilias and Lefkothea are Ioanna’s children. Ilias is sick and has been hidden in the mansion in Bournabat throughout the war. During his three years of concealing, he translated the famous antique Symrnean writer Homer’s Iliad into Ottoman language. From the Turkish family only three are left. Muzeyyen, her seven-year-old son Ali Riza and her brother Mehmed. The elders of the Turkish family had died during different war periods and Greek Occupation.

Traumatic traces of war and the obligatory exchange, causes tension between the Turkish and Greek families. As they turn against each other living together becomes impossible. The characters who find themselves in the midst of this conflict are deeply saddened and must yield to a hopeless future, desperate longings, impossible loves. ‘The Catastrophic Fire of İzmir’ not only ruins the legendary and beautiful city of Smyrna and burns it down to ashes but also ends the centuries long tradition of diverse ethnic and religious communities living together peacefully and destroys their past and future, their hopes and dreams.

The great war was over and in the year of 1922, the catastrophic fire that lasted for three days, had destroyed and made disappear the fascinating, multi-cultural city, “the pearl of Aegean”, Izmir. The city was co-created by a cosmopolite society of Turks, Greeks, Armenians, Jews and Levantines who had been living together for nearly one century, with different religious beliefs, different languages. Memories of these people who had been celebrating even their religious festivals together are all left in pages of books. The silhouette of Izmir, the richest center of trade in Ottoman Empire, with its fabulous architecture, theaters, cinemas, libraries, entertainment venues, shops, is to be only found in postcards. The soil that gave birth to the ancient culture, mythological stories also witnessed a great destruction enforced by ethnical provocation of imperialist war gods. Withered away is our past, our culture. The people who were exiled from their birthplaces, the people who were forced to emigrate from their own lands, are our own people. To recall this very tragic end of Izmir, may contribute to the hope and effort for the idea of living together of nations.

After eleven years of performing Theatre Pera, with the same responsibility to the past and future, a small window to this tragic part of our recent history open.

IOANNA
I can't even look that way, when I do, I feel like
I'm going blind. The Kordon is gone, Punta is black as ink! Gavurisa
Smyrni has disappeared completely. Our past has burnt, our future,
turned into ash. How will we live on, Kosta? How? Pos tha zis0ume Kosta? Pos?

OH MY SMYRNA, MY BEAUTİFUL IZMIR

Writer-Director Nesrin Kazankaya
Dramaturgy Şafak Eruyar
Stage Design Başak Özdoğan
Costume Fatma Öztürk
Director’s Assistant- Lighting Zeynep Özden
Music Director Ezgi Kasapoğlu
Music Arrangement Emil Tan Erten
Greek Translation Meri Madeleni
Choreography Cemal Atilla-Güneş Çağlar

Cast of Characters

ELENI Aysan Sümercan
KONSTANDINOS Muhammet Uzuner
IOANNA Nesrin Kazankaya
POLYXENI Defne Halman/Başak Meşe
ILIAS Emre Çakman
MEHMED Doğan Akdoğan
MÜZEYYEN Linda Çandır
THEODOPULOS İlker Yiğen
LEFKOTHEA Selin Sevdar
ALİ RIZA Asır Akkaya

contact Tiyatro Pera in IstanbulNesrin Kazankaya

Theatre Cultures
Subscribe to Theatre Cultures email updates (newsletter)
Join us on Facebook Theatre Cultures community & network
(new)

Petru Vutcărău: « CAII LA FEREASTRĂ » de Matei Vişniec

Teatrul “Mihai Eminescu” din Botoşani prezintă

luni, 3 iunie, ora 19:00
la Sala Majestic a Teatrului Odeon

CAII LA FEREASTRĂ de Matei Vişniec

 

Cu: Bogdan Muncaciu, Dana Bucătaru, Ioan Crețescu, Volin Costin, Andreea Moțcu, Mirela Nistor, Alexandru Dobinciuc

Regia: PETRU  VUTCĂRĂU
Scenografia: MIHAI  PASTRAMAGIU
Ilustrația muzicală: SERGIU  SCRELEA

Durata: 1h 10’

Preţul biletelor: 21,20 lei; 12,72 lei

„Este o piesă care mi-a marcat viața din multe puncte de vedere. Am scris-o cu doi ani înainte de plecarea mea din țară, prin 1985  și a fost piesa cu care era cât pe ce să debutez în România. În Franța, a fost prima piesă care mi-a fost tradusă în franceză.

”Caii…” este un text care figurează și în manualele școlare, socotindu-se că mă reprezintă într-un fel, fiind ca o prelungire a teatrului absurdului în social, pentru că este o piesă în care eu demasc manipularea indivizilor prin marile idei, prin termeni precum datorie, eroism și alte asemenea mari slogane. Societățile totalitariste ștriu să manipuleze foarte bine prin fraze patriotarde, prin apelul la emoție. Eu încercam atunci să denunț isteria antirăzboinică din vremea lui Ceaușescu. România nu era atacată din nicio parte, nu era amenințată decât din interior, de propria sa incapacitate de a evolua, dar se organizau în acei ani niște mari manifestații antirăzboinice”. Matei Vișniec

“Dramaturgia lui Matei Vișniec este cu totul și cu totul specială. Matei Vișniec este un om de teatru până-n măduva oaselor! Creier, suflet, spirit – tot ceea ce mișcă în acest mare om de cultură este teatru.  Este un dramaturg foarte ofertant atât pentru regizori, cât și pentru actori. Are subiecte inedite, neaşteptate, surprinzătoare, sigur codificate, cu foarte multă poezie, cu multe profunzimi, cu tristeţi, cu nostalgii, cu multe probleme care sunt cu totul actuale. Le el totul este pe muchie de cuţit.

Vişniec rămâne un autor dramatic, un autor poetic, un autor inedit, sigur unic în felul său. Este o bucurie deosebită să lucrezi pe texte care îi aparţin.

Caii la fereastră a fost scris cu câţiva ani în urmă, dar rămâne actual şi ne vizează pe toţi, indiferent de naţionalitate, indiferent de culoarea politică. Este vorba despre faptul că oamenii se ucid. Se ucid la infinit, fără a se opri. Sunt războaie, vărsări de sânge, suferinţă, durere.

Oamenii se ucid şi prin relaţiile dintre ei. Se ucid prin relaţiile interpersonale. Se ucide personalitatea din om. Generaţiile tinere sunt dezumanizate. Iar unii oameni se îmbogăţesc şi trăiesc tocmai de pe seama acestor distrugeri”.

Petru Vutcărău


Teatrul Odeon
Adresa: Calea Victoriei 40-42, sector 1, cod 010062 Bucuresti
Agentia de bilete:  314 72 34
Rezervari bilete: rezervari@teatrul-odeon.ro
website: www.teatrul-odeon.ro

facebook Theatre Cultures
email updates: newsletter

Μιχάλης Κακογιάννης: «Τρωάδες», « Πάνω, Κάτω και Πλαγίως »

Τρίτη 11 Ιουνίου 2013

με αφορμή τη συμπλήρωση 92 χρόνων από τη γέννηση του Μιχάλη Κακογιάννη, προβολή 2 ταινιών του μεγάλου σκηνοθέτη

«Τρωάδες»,  στις 18:00
«Πάνω, Κάτω και Πλαγίως», στις 22:00
με ελεύθερη είσοδο για το κοινό

Ένας πολιτισμός είναι μεγάλος μόνον όταν κάνει αυτοκριτική

Μιχάλης Κακογιάννης

Με αφορμή τη συμπλήρωση των 92 χρόνων από τη γέννηση του Μιχάλη Κακογιάννη, στις 11 Ιουνίου, το Ίδρυμα Μιχάλης Κακογιάννης θα προβάλει τις ταινίες «Τρωάδες» του Ευριπίδη, έργο ορόσημο στην καριέρα του Ιδρυτή του και «Πάνω Κάτω και Πλαγίως», μια διαχρονική σάτιρα της ζωής σε μια μεγαλούπολη.

Τρωάδες

Ο Ευριπίδης έγραψε τις «Τρωάδες» για έναν πολύ συγκεκριμένο λόγο. Νιώθοντας φρίκη από τη σφαγή που διέπραξαν οι Αθηναίοι στη Μήλο, ήθελε – χρησιμοποιώντας τον πόλεμο της Τροίας- να αφυπνίσει τους συγχρόνους του ενάντια στο μιλιταρισμό, στον πόλεμο και στην καταπίεση.

Μετά την πτώση της Τροίας, οι αιχμάλωτες Τρωαδίτισσες περιμένουν να επιβιβαστούν στα πλοία που θα τις μεταφέρουν στην Ελλάδα. Ανάμεσά τους η βασίλισσα Εκάβη που θρηνεί το χαμό των δικών της και της πόλης της και η χήρα του Έκτορα, Ανδρομάχη, που ζει ένα ακόμη δράμα καθώς οι νικητές δολοφονούν το μικρό της γιο. Κι ενώ ο Μενέλαος συναντά την άπιστη Ελένη που υπήρξε η αφορμή αυτού του πολέμου, η μάντισσα Κασσάνδρα προφητεύει τα δεινά που περιμένουν τους νικητές κατά την επιστροφή τους στην πατρίδα.

Έργο επίκαιρο την εποχή που γράφτηκε 415 π. Χ, επίκαιρο στη δεκαετία του `70 που πρωτοπροβλήθηκε στο Φεστιβάλ των Κανών, επίκαιρο και σήμερα σε μια εποχή όπου οι αξίες και η ταυτότητα τελούν υπό αμφισβήτηση.

Ο Ευριπίδης στο έργο αυτό, για πρώτη φορά στη δραματουργία του, δεν βλέπει το θέμα και από τις δύο πλευρές ταυτόχρονα. Δίνει λόγο στους ηττημένους και καταγράφει τον επίμονο θρήνο τους. Ο Κακογιάννης χειρίζεται, με βάση το έργο αυτό, ένα από τα αγαπημένα ευριπίδεια θέματα που είναι η εναλλαγή ρόλων: πώς δηλαδή μεταμορφώνονται οι θύτες σε θύματα, πώς οι εξουσιάζοντες δίνουν τη θέση τους στους πρώην καταπιεσμένους σε μια συνεχή αλληλοδιείσδυση ταυτοτήτων και ανακατάταξη αξιών. Πίσω από το φρικαλέο πεδίο καταστροφής που δημιούργησε ο πόλεμος, παρουσιάζει τη μεταμόρφωση των ευγενών γυναικών της Τροίας σε απλές θρηνοδούς, τις άλλοτε υπερήφανες και απρόσιτες Τρωάδες σε ικέτιδες. Οι ήρωες Έλληνες που κέρδισαν τον πόλεμο, κυριαρχημένοι από το πάθος της αντεκδίκησης αλλά και από το αίσθημα της απόλαυσης μιας «βρώμικης» νίκης (για μια Ελένη…) περνούν σε μια ζωώδη κατάσταση και φέρονται με βαρβαρότητα.

«Ο Ευριπίδης, γράφει ο Μιχάλης Κακογιάννης, ακόμη κι αν επρόκειτο να πληρώσει με εξορία το κουράγιο του, τόλμησε να βγάλει μια κραυγή εξέγερσης. Φτιάχνοντας αυτήν την ταινία, ήθελα να ταυτίσω τη δική μου κραυγή με τη δική του, επειδή και σήμερα πρέπει να αφυπνισθούν οι άνθρωποι…

Όταν ανέβασα τις «Τρωάδες» στην Αμερική, οι εφημερίδες έγραψαν ότι μέσα από την τραγωδία αυτή βλέπουμε τις σημερινές τραγωδίες, την τραγωδία της Χιροσίμα. Όταν ανέβασα τις «Τρωάδες» στο Παρίσι, μίλησαν για την Αλγερία.

Όταν η Ανδρομάχη φωνάζει: «Έλληνες, έχετε βρει τρόπους να βασανίζετε που δεν είναι ελληνικοί»… το μήνυμα δεν ξεφεύγει από κανένα σύγχρονο κοινό αφού η λέξη «Έλληνας» αυτόματα μεταφράζεται στη συνείδησή του, ανάλογα με τις ενοχές του. Το ανελέητο κατηγορώ (από τον Ευριπίδη) της ελληνικής βαρβαρότητας έχει σαν άμεσο αντίβαρο την ιδεαλιστική του εκτίμηση για το τι θα έπρεπε να αντιπροσωπεύει η Ελλάδα και, κυρίως, για το τι θα έπρεπε αυτή να αντιπροσωπεύει τη στιγμή που ανέβασε τις «Τρωάδες». Αλλιώς θα έπρεπε να πνιγεί η φωνή του σε μια θύελλα εθνικιστικής αγανάκτησης ή, τουλάχιστον, θα είχε τιμωρηθεί εκ των υστέρων. Προφανώς, είχε ακόμα κάποιες ελπίδες… Ο Ευριπίδης εξέφρασε τους φόβους του εκθέτοντας τις σάπιες ρίζες της κοινωνικής ανισότητας, του ρατσισμού, της πολιτικής φιλοδοξίας, της πνευματικής αλαζονείας, του θρησκευτικού δογματισμού. Κι αν η φωνή του ηχούσε παράταιρα στα εφησυχασμένα αυτιά των κριτικών του, αναδρομικά δεν άργησε να θεωρηθεί ως προφητική.

Το Ίδρυμα Μιχάλης Κακογιάννης, με την ευκαιρία της προβολής των « Τρωάδων » σημειώνει ιδιαίτερα τα επίκαιρα λόγια του ίδιου του μεγάλου σκηνοθέτη:

«Για μένα, το θέμα είναι να συνειδητοποιήσει κάθε Έλληνας τι έφερε το φασισμό και πώς λειτουργεί ο φασισμός σ΄ αυτήν την ίδια τη ζωή … πάντα υπήρχε φασισμός ακόμα και στις απλές καθημερινές λειτουργίες. Υπάρχει φασισμός πολλές φορές στις σχέσεις των ανθρώπων. Αν δεν τον ξεριζώσουμε δεν θα πάμε μπροστά.

Ο μόνος τρόπος είναι η αυτοκριτική σε βάθος, όπως έκαναν οι αρχαίοι Έλληνες στα έργα τους, στις τραγωδίες. Να βαρέσουμε αλύπητα τον εαυτό μας, για την ακούσια συνεργασία μας σε ένα σωρό εγκλήματα. Γιατί η αδιαφορία καμιά φορά, η αδράνεια, είναι και αυτή έγκλημα. Κι από εκεί και πέρα θα βρούμε πολλά μέσα μας.»

«Τρωάδες» (1970 -1971)

Διάρκεια: 111`

Σκηνοθεσία: Μιχάλης Κακογιάννης
Σενάριο: Μιχάλης Κακογιάννης από την ομώνυμη τραγωδία του Ευριπίδη
Φωτογραφία: Άλφιο Καντίνι
Σκηνικά – Κοστούμια: Νικόλας Γεωργιάδης

Διανομή: Κάθριν Χέμπορν, Βανέσα Ρέντγκρεϊβ, Ζενεβιέβ Μπιζώλντ, Ειρήνη Παπά, Πάτρικ Μαγκί, Μπράιαν Μπλεσντ

Η ταινία είναι στα αγγλικά με ελληνικούς υπότιτλους

***

Πάνω Κάτω και Πλαγίως

Κεντρικό θέμα του «Πάνω Κάτω και Πλαγίως» είναι

αυτό το απερίγραπτο μωσαϊκό της ζωής στη σύγχρονη Αθήνα

Μιχάλης Κακογιάννης

Το «Πάνω Κάτω και Πλαγίως» είναι κωμωδία υποδόρια, κατά κάποιον τρόπο, που εμπεριέχει όλη τη φρίκη που ζούμε καθημερινά σ` αυτήν την πόλη: από την αγωνία του να βρεις ταξί ως τις τρομοκρατικές ενέργειες. Δεν αφήνει τίποτα απ` όσα μας απασχολούν χωρίς να το σχολιάσει. Οι ανθρώπινες σχέσεις, οι εντάσεις και η έννοια της συμφιλίωσης βρίσκονται κάτω από τη συνεχή καταγραφή του φακού της κινηματογραφικής μηχανής, προβάλλοντας καταστάσεις άλλοτε οργιώδεις και άλλοτε λυτρωτικές.

Μια σειρά από εξωφρενικά γεγονότα που συμβαίνουν μέσα σε ένα εικοσιτετράωρο στη σύγχρονη Αθήνα και στα οποία συμμετέχουν λυρικές καλλιτέχνιδες, ναύτες, ταξιτζήδες και τραβεστί, η 17 Νοέμβρη και η… Μαρία Κάλλας, έχουν σαν αποτέλεσμα να φέρουν πιο κοντά μια μητέρα στον έφηβο γιo της.

Ο κριτικός Byron Ayanoglu στο περιοδικό Now” του Καναδά (Τορόντο) γράφει για την ταινία «Πάνω Κάτω και Πλαγίως»: « Η συνδυασμένη επίθεση αυτού του υποψήφιου για Όσκαρ (για τον Ζορμπά, το 1964) σκηνοθέτη, και της επί μακρόν πρωταγωνίστριάς του, της πρώτης τραγωδού Ειρήνης Παπά, αποτελεί μια δύναμη που στην πατρίδα μου κανείς δεν της αντιστέκεται. Αυτοί οι δύο είναι θεοί σε μια χώρα που λατρεύει τον Θέσπη. Όταν αυτοί μιλάνε, οι Έλληνες ακούνε.

Το έργο αναγκάζει τους έντιμους Έλληνες να κάνουν μια διπλή βουτιά στους ηθικούς τους εφιάλτες. Αυτό καθρεφτίζεται στους ίδιους τους πρωταγωνιστές, όταν αποκαλύπτεται η φάρσα και ανακαλύπτουν ο ένας τον άλλο. Με τις αναφορές του σκηνοθέτη στην πανταχού παρούσα τραγωδία, ακόμη και μέσα στο πλαίσιο της ελληνικής κωμωδίας, καθώς και με τα θαυμάσια πορτραίτα του, σκιαγραφεί την σημερινή φρενήρη και χαοτική πραγματικότητα. »

«Πάνω Κάτω και Πλαγίως» (1992)

Διάρκεια: 100`

Σενάριο – Σκηνοθεσία: Μιχάλης Κακογιάννης
Φωτογραφία: Ανδρέας Σινάνος
Μουσική: Στέφανος Κορκολής
Τραγουδούν: Λεωνίδας Βελής, Χρήστος Δάντης
Στίχοι: Μιχάλης Κακογιάννης
Σκηνικά – Κοστούμια: Γιάννης Μετζικώφ
Ήχος:  Μαρίνος Αθανασόπουλος
Μοντάζ: Μιχάλης Κακογιάννης και Βασ. Συρόπουλος (εικόνα) Τ. Χατζής (ήχος)

Διανομή: Ειρήνη Παπά, Στράτος Τζώρτζογλου, Πάνος Μιχαλόπουλος, Ελένη Γερασιμίδου, Γιώργος Παρτσαλάκης, Αντώνης Ζαχαράτος, Έλντα Πανοπούλου, Τζων Μοδινός, Τάκης Ζαχαράτος, Γιάννης Ζουγανέλης, Γιάννης Μπέζος, Χρήστος Ευθυμίου, Ακίνδυνος Γκίκας, Μαρία Κανελλοπούλου

Ίδρυμα Μιχάλης Κακογιάννης
Πειραιώς 206, Ταύρος, Αθήνα 177 78,  τηλ. 210 3418 550,  φαξ.  210 3418 570
Ηλεκτρονικό ταχυδρομείο : info@mcf.gr Ιστοσελίδα: www.mcf.gr 

Theatre Cultures
Μπορείτε να εγγραφείτε με email στις προτάσεις του Theatre Cultures
ΕΔΩ μπορείτε να λαμβάνετε πληροφορίες του Facebook Theatre Cultures
(νέο)

Ημέρες αφιερωμένες στον Δάντη και στον Βοκάκιο

« Η αρχή της αμοιβαιότητας και η πολιτική θεωρία των ‘δύο ήλιων’ στο έργο του Δάντη »

διάλεξη του Καθ. Flavio Silvestrini, την Παρασκευή 31 Μαΐου, ώρα 19.00 στο Iταλικό Μορφωτικό Ινστιτούτο, οδός Πατησίων 47, στην Αθήνα, με την ευκαιρία του εορτασμού της ΗΜΕΡΑΣ DANTE 2013.

Ο καθηγητής Flavio Silvestrini, στην ομιλία του αποσκοπεί διαμέσου ιστορικών παραδειγμάτων να μας παρουσιάσει την αρχή της αμοιβαιότητας στα κείμενα του Δάντη, αρχή η οποία βρίσκεται στη βάση της θεωρίας των δύο εξουσιών, της κοσμικής και της θρησκευτικής. Θέλοντας να ορίσει τα όρια της μιας εξουσίας ως προς την άλλη, αλλά και να επισημάνει τους τομείς στους οποίους μπορούν, ωστόσο, να συνεργαστούν, ο Δάντης διερευνά ένα εν κατόπτρω πρότυπο βάσει του οποίου κάθε εξουσία είναι κυρίαρχη στο δικό της πεδίο και δεν μπορεί να υπερισχύσει της άλλης.

Mε διαδοχική διερμηνεία

Επιστημονική Ημερίδα με τίτλο: « Η ΕΛΛΑΔΑ ΤΟΥ ΒΟΚΑΚΙΟΥ »

τη Δευτέρα 3 Ιουνίου 2013, ώρα 11.00 στο Ίδρυμα Μιχάλης Κακογιάννης, Πειραιώς 206, Ταύρος,  με την ευκαιρία της συμπλήρωσης 700 χρόνων από τη γέννηση του Βοκάκιου.

Ημερίδα σε συνεργασία με: το Τμήμα Ιταλικής Γλώσσας και Φιλολογίας του Εθνικού και Καποδιστριακού Πανεπιστημίου Αθηνών, το Ίδρυμα Μιχάλης Κακογιάννης, το Μανιατάκειον Ίδρυμα, Oranona Teatro di Certaldo.

Υπό την αιγίδα του Εθνικού Φορέα Giovanni Boccaccio (Ente Nazionale Giovanni Boccaccio)

Θα υπάρξει ταυτόχρονη μετάφραση

Στο κλείσιμο της ημερίδας θα ακολουθήσει η θεατρική ανάγνωση της 3ης νουβέλας της 4ης ημέρας του Δεκαημέρου από την ηθοποιό Ιlaria Landi, συνοδευόμενη στην κιθάρα από τον Alessio Montagnani (Θέατρο Oranona του Certaldo). Παράλληλη προβολή της ελληνικής μετάφρασης της νουβέλας σε επιμέλεια Ανδρέα Ριζιώτη.

Η είσοδος είναι ελεύθερη.

ΠΡΟΓΡΑΜΜΑ ΗΜΕΡΙΔΑΣ

Πληροφορίες-Κρατήσεις θέσεων στα ταμεία του Ιδρύματος (Πειραιώς 206, Ταύρος) και τηλεφωνικά 210 3418579, Δευ-Παρ 11:00-14:00. Θα τηρηθεί σειρά προτεραιότητας.


Theatre Cultures
Μπορείτε να εγγραφείτε με email στις προτάσεις του Theatre Cultures
ΕΔΩ μπορείτε να λαμβάνετε πληροφορίες του Facebook Theatre Cultures
(νέο)


«Ganesh Versus the Third Reich» by Bruce Gladwin

"Ganesh Versus the Third Reich" de Bruce Gladwin. Photo : Jeff Busby

VIDEO

DES TYRANS ET DES DIEUX

Hitler a volé à l’Inde le svastika pour en faire la croix gammée nazie. Ganesh, le dieu à tête d’éléphant voué à combattre l’ignorance, part en Allemagne récupérer cet ancien symbole sanskrit du bien. Mais que pourra Ganesh contre les écueils qui naissent en salle de répétition ? Car les comédiens se demandent qui d’entre eux vont jouer les nazis, ou s’il faut connaître le judaïsme pour incarner un Juif. Et si, au nom du bien commun, il faut accepter de faire confiance à un tyran : le metteur en scène.

Ganesh Versus the Third Reich pose de façon ludique, poétique et politique les questions brûlantes de l’appropriation culturelle, du droit de représenter l’autre et… des jeux de pouvoir du quotidien. Ce spectacle d’une beauté aussi rare qu’inédite, souvent étonnamment drôle et toujours bouleversant, doit sa grâce à ceux qui l’ont créé : des comédiens atteints de déficience intellectuelle, réunis au sein d’une compagnie australienne qui leur donne la parole. Authentique.

Usine C
durée : 1 h 40
en anglais avec surtitres français
30 mai - 20 h 00
31 mai - 20 h 00
1 juin - 16 h 00
2 juin - 16 h 00
Tarif régulier : 43 $
30 ans et moins /65 ans et plus : 38 $
Taxes et frais de services inclus

Acheter en ligne

En parallèle
Rencontre avec Scott Price + Kate SulanRencontre avec les artistes en salle après la représentation 
du 31 mai

D’exclus à créateurs

Le Back to Back Theatre a été fondé en 1987 à Geelong, dans le sud-est de l’Australie, près de Melbourne, afin de créer du théâtre avec des gens socialement stigmatisés comme ayant une déficience intellectuelle. Utilisant de façon privilégiée leur position d’exclus pour porter sur le monde un regard discordant, les membres du Back to Back Theatre explorent à travers le théâtre les points de friction entre l’instrumentalisation économique et l’humanisme, le social et l’artistique, les nécessités légitimes des individus et la tyrannie de la normalité. La compagnie, qui comprend cinq comédiens permanents, est dirigée depuis 1999 par le metteur en scène Bruce Gladwin. Privilégiant un processus créateur à très long terme basé sur l’écriture par improvisation des comédiens, Bruce Gladwin et sa compagnie ont, dernièrement, développé une théâtralité radicale par une mise en valeur des enjeux réels qui sous-tendent la représentation. Ils déploient ainsi une esthétique fondée sur la poésie visuelle, le ludisme et la simultanéité, en continu, du performatif et du représenté.

Les quatre plus récentes créations majeures du Back to Back Theatre — soft (2002), small metal objects (2005), Food Court (2008) et Ganesh Versus the Third Reich (2011) — ont valu une importante renommée internationale à la compagnie, qui a tourné dans plus de 50 villes et plusieurs grands festivals à travers le monde au cours des 10 dernières années.

UN SPECTACLE DE Back to Back Theatre

MISE EN SCÈNE, CONCEPTION ET SCÉNOGRAPHIE Bruce Gladwin

COAUTEURS Mark Deans + Marcia Ferguson + Bruce Gladwin + Nicki Holand + Simon Laherty + Sarah Mainwaring + Scott Price + Kate Sulan + Brian Tilley + David Woods

INTERPRÉTATION Mark Deans + Simon Laherty + Scott Price + Luke Ryan + Brian Tilley

LUMIÈRES Andrew Livingston

SCÉNOGRAPHIE Mark Cuthbertson

ANIMATION Rhian Hinkley

MUSIQUE Jóhann Jóhannsson

MASQUES Sam Jinks + Paul Smits

COSTUMES Shio Otani

PHOTO Jeff Busby

PRÉSENTATION EN COLLABORATION AVEC Usine C + Carrefour international de théâtre (Québec)

RÉDACTION Paul Lefebvre

Création au Malthouse Theatre, Melbourne, le 29 septembre 2011

La Newsletter de Theatre Cultures
Facebook Theatre Cultures (nouveau)
  

Peter Handke: «Offending the Audience» by Christian Lapointe

WELCOME LADIES AND GENTLEMEN

Christian Lapointe takes on the founding text of anti-play – the playful and destabilizing Offending the Audience by Peter Handke. Nearly fifty years after its creation, Lapointe reinvents the play’s celebratory radicalism. Taking the show’s title and the line “This is not a play” quite literally, he casts the audience as the only living character in the piece, placing the spectators face to face with themselves. They are both the subject and the object of this unusual performance, where theatrical representation is turned inside out.

In this refreshing and fun-loving recreation, Christian Lapointe leads the affront using astonishing synthesized voices. Subjected to the orders of dehumanized robots, the spectators will be chased out of the theatre – we won’t tell you how! – by the infamous cascade of insults at the end of Handke’s play. Is it an object of live cinéma-verité, studio art or digital theatre? Who knows?

Théâtre La Chapelle
Length : 1 h
In French

June 3 – 7  at 9:00 pm

Tickets: $28
Under 30 / Over 65: $23
Sales taxes and order processing fees included

Between Doing and Portraying

Since founding Théâtre Péril in Quebec City in 2000, the writer and director Christian Lapointe has pursued a singular career, creating theatrical objects of demanding density where poetry, death and reality combine to question the existential emptiness of contemporary life. Inspired by the symbolism of William Butler Yeats – his first play was a trilogy consisting of Chien de Culann, Le Seuil du palais du roi (2003) and the triptych Calvaire / Résurrection / Purgatoire under the title Limbes (2009) – and by the textual density and relation to reality found in the work of Samuel Beckett, Lapointe gradually focused his research on the pressures of reality that any form of representation in the theatre demands. Whether it be his reworkings of symbolist writers (Yeats and Villiers de L’Isle-Adam, whose unpresentable Axel he staged in 2006), brutal contemporary texts (Vu d’ici, based on the novel by Mathieu Arsenault, 2008; L’enfant matière by Larry Tremblay at Théâtre Blanc, 2012) or his own writing (C.H.S., presented at the FTA in 2007 and at the Avignon Festival in 2009; Anky ou la fuite, opéra du désordre, 2008; Trans(e), 2010; and Sepsis, 2012), Christian Lapointe creates, to quote the critic Hervé Guay, “atypical experiences from which one rarely emerges unscathed”. He is associate artist with Recto-Verso since 2011 and was recently appointed artistic director at Théâtre Blanc, in Québec.

Buy Tickets

Theatre Cultures
Subscribe to Theatre Cultures email updates (newsletter)
Join us on Facebook Theatre Cultures community & network
(new)

Joël Pommerat: «La grande et fabuleuse histoire du commerce»

"La grande et fabuleuse histoire du commerce" de Joël Pommerat. Photo: Elisabeth Carecchio

VIDEO

LA FABRIQUE DE L’AUTHENTIQUE

Années 1960. Années 2000. À quarante ans d’intervalle, dans une chambre d’hôtel anonyme, jamais tout à fait la même, cinq vendeurs itinérants fatigués se retrouvent au soir d’un jour qui paraît se répéter à l’infini. Sort de leur bouche le jargon usé de la rentabilité — stratégie, profit, rendement —, alors qu’ils n’égrènent qu’échecs et déceptions. Braves petits soldats d’une idéologie en marche, celle de la société marchande, ils s’enlisent dans l’instrumentalisation et la confusion des valeurs. Que reste-t-il alors des rapports humains quand la meilleure façon de mentir, c’est d’être sincère ?

Fresque impitoyable qui emprunte habilement les atours du documentaire, La grande et fabuleuse histoire du commerce traque l’évolution et la dérive du consumérisme contemporain. Avec lucidité, l’écrivain scénique Joël Pommerat, figure majeure du théâtre français actuel, signe ici un diptyque aussi décapant que désespérant sur la logique commerciale et son insinuation, aveugle, terrible, au cœur de nos vies.

Maison Théâtre
durée : 1 h 20
en français
7 juin - 20 h 00
8 juin - 16 h 00
8 juin - 20 h 00
Tarif régulier : 48 $
30 ans et moins /65 ans et plus : 43 $
Taxes et frais de services inclus

Acheter en ligne

En parallèle
Rencontre avec les artistes en salle après la représentation du 7 juin

Raconter l’humain

En 1990, Joël Pommerat écrit et met en scène, à Paris, un premier texte, Le chemin de Dakar, et fonde à cette occasion la Compagnie Louis Brouillard. Depuis, le prolifique créateur a élaboré plus d’une vingtaine d’œuvres théâtrales, affinant, au fil du temps, un processus singulier. Véritable écrivain scénique, pour qui le texte ne représente que la frêle trace laissée sur du papier par le spectacle, il compose ses mises en scène au gré des improvisations avec les acteurs, conjointement ou en alternance avec le travail d’écriture. Attentif au réel, à la part de bizarrerie tapie derrière l’apparente banalité de vies ordinaires, Pommerat forge des univers scéniques troubles, où le ton réaliste peut coexister avec l’étrange ou peut soudain basculer dans le merveilleux. Qu’il explore le monde du travail (Les marchands, 2006), celui de la famille (D’une seule main, 2005), ou qu’il réinvente le conte de fées (Pinocchio, 2008 ; Cendrillon, 2011), l’artiste forge des fables à hauteur d’homme, au plus près de l’humain, de ses contradictions et de ses fragilités. À Montréal, on a pu apprécier les spectacles Cet enfant (Espace Go, 2008) et Le petit chaperon rouge (Usine C, 2008). Sa plus récente pièce, La réunification des deux Corées (2013), créée à Paris, a été présentée à Ottawa au printemps dernier.

Lauréat en 2011 du Molière de l’auteur francophone vivant, Joël Pommerat connaît aujourd’hui une renommée qui ne cesse de s’étendre, en France comme à l’étranger. Épurés, sobres, mais toujours mâtinés d’étrangeté, les univers scéniques qu’il crée frappent le cœur et l’esprit, et savent rester inoubliables.


UN SPECTACLE DE Compagnie Louis Brouillard
CRÉATION Joël Pommerat
COLLABORATION ARTISTIQUE Philippe Carbonneaux
INTERPRÉTATION Hervé Blanc + Patrick Bebi + Eric Forterre + Ludovic Molière + Jean-Claude Perrin
LUMIÈRES ET SCÉNOGRAPHIE Eric Soyer
COSTUMES Isabelle Deffin
SON François Leymarie
MUSIQUE Antonin Leymarie
DÉCOR ET ACCESSOIRES Thomas Ramon – À travers Champs
VIDÉO Renaud Rubiano
PHOTO Elisabeth Carecchio

COPRODUCTION Comédie de Béthune – Centre Dramatique National Nord Pas-de-Calais + Béthune 2011 – Capitale régionale de la Culture + Le Carré (Sainte-Maxime) + Théâtre de l’Union – Centre Dramatique National du Limousin + Le Rayon Vert (Saint-Valéry en Caux) + Théâtre d’Arles – Scène conventionnée pour des écritures d’aujourd’hui + Théâtre d’Évreux – Scène nationale Évreux Louviers + CNCDC – Centre National de création et de diffusions culturelles de Châteauvallon + Le Parvis – Scène nationale Tarbes Pyrénées + Le Granit – Scène nationale de Belfort AVEC LE SOUTIEN DE la Coupe d’Or – scène conventionnée de Rochefort

PRÉSENTATION AVEC LE SOUTIEN DU Service de coopération et d’action culturelle du Consulat général de France à Québec

RÉDACTION Catherine Cyr

Création à La Comédie de Béthune, le 15 décembre 2011



La Newsletter de Theatre Cultures
Facebook Theatre Cultures (nouveau)

« Outrage au public » de Peter Handke par Christian Lapointe

"Outrage au public" de Peter Handke par Christian Lapointe

BIENVENUE MESDAMES ET MESSIEURS

Christian Lapointe s’attaque au texte fondateur de la non-représentation, le ludique et déstabilisant Outrage au public de Peter Handke, dont il réinvente, près de 50 ans après sa création, la radicalité jubilatoire. Prenant au pied de la lettre le titre de l’œuvre et la phrase « ce soir on ne joue pas », il fait du public le seul intervenant vivant de la pièce, le plaçant face à lui-même, à la fois comme sujet et objet de ce singulier spectacle, où la représentation théâtrale est retournée comme un gant.

Dans cette recréation aussi rafraîchissante que jouissive, Christian Lapointe dirige l’affront à l’aide de saisissantes voix de synthèse. Soumis aux commandes d’automates déshumanisés, les spectateurs se verront chassés du théâtre — nous ne vous disons pas comment ! — par les célèbres cascades d’insultes qui terminent la pièce de Handke. Objet de cinéma direct, d’art audio ou de théâtre numérique ? Allez savoir !

Théâtre La Chapelle
durée : 1 h
en français
3 - 7 juin à 21 h 00
Tarif régulier : 28 $
30 ans et moins /65 ans et plus : 23 $
Taxes et frais de services inclus

Acheter en ligne

Entre faire et représenter

Depuis la fondation du Théâtre Péril, à Québec, en 2000, l’auteur et metteur en scène Christian Lapointe trace un parcours singulier, créant des objets théâtraux d’une exigeante densité, où la poésie, la mort et le réel se conjuguent pour interroger les manques existentiels du mode de vie contemporain. Inspiré tout autant par le symbolisme de William Butler Yeats — dont il a monté la trilogie du Chien de Culann, son premier spectacle, ainsi que Le seuil du palais du roi (2003) et le triptyque Calvaire, Résurrection et Purgatoire sous le titre Limbes (2009) — que par la densité textuelle et le rapport à la réalité des corps de Samuel Beckett, Lapointe a progressivement orienté sa recherche vers une mise sous tension de la part de réel qu’exige au théâtre tout acte de représentation. Que ce soit à travers ses relectures d’auteurs symbolistes (outre Yeats, Villiers de L’Isle-Adam dont il a monté l’irreprésentable Axel en 2006), des textes contemporains brutaux (Vu d’ici, d’après le roman de Mathieu Arsenault, 2008 ; L’enfant matière de Larry Tremblay au Théâtre Blanc, 2012) ou ses propres textes (dont C.H.S., présenté au FTA en 2007, puis au Festival d’Avignon en 2009 ; Anky ou la fuite, opéra du désordre, 2008 ; Trans(e), 2010 ; et Sepsis, 2012), Christian Lapointe travaille, selon les mots du critique Hervé Guay, à des « expériences atypiques dont on sort rarement indemne ». Il est créateur associé à Recto-Verso depuis 2011 et a été tout récemment nommé codirecteur artistique du Théâtre Blanc, à Québec.

UN SPECTACLE DE Recto-Verso

TEXTE Peter Handke

CONCEPT ET RÉALISATION Christian Lapointe

DIRECTION TECHNIQUE ET PROGRAMMATION VIDÉO Pierre-Olivier Fréchet-Martin

PHOTO Christian Lapointe

CODIFFUSION La Chapelle

RÉDACTION Paul Lefebvre

Création au Studio d’Essai, Mois Multi, Québec, le 31 janvier 2013

La Newsletter de Theatre Cultures
Facebook Theatre Cultures (nouveau)

Θέατρο «Πέρα» Κων/πολης: «Ω Σμύρνη μου, όμορφή μου Izmir»

Θέατρο Πέρα, «Ω Σμύρνη μου, όμορφή μου Izmir»

5 & 6 Ιουνίου 2013, 21:00

VIDEOS ( « Smyrna sequence » & « Smyrna Tanıtım »)

Διάρκεια: 2:10’
ΠΕΙΡΑΙΩΣ 260 (Η)
Φεστιβάλ Αθηνών & Επιδαύρου


Μία πόλη σύμβολο, η Σμύρνη, γίνεται πρωταγωνίστρια του έργου «Ω Σμύρνη μου, όμορφή μου Izmir», που έρχεται στο Φεστιβάλ Αθηνών από το τουρκικό Θέατρο Πέρα, στις 5 & 6 Ιουνίου 2013, στην Πειραιώς 260 (Η).

Το έργο διαδραματίζεται στη Σμύρνη το 1923, ένα χρόνο αφότου η πόλη έχει καεί ολοσχερώς και ενώ έχει τελειώσει η μεγάλη μικρασιατική αναμέτρηση. Τα γεγονότα είναι καταιγιστικά και η ζωή των ανθρώπων που έχει πληγωθεί βαθιά από τους απανωτούς πολέμους και τις εχθροπραξίες, αλλάζει ριζικά.

Η Συνθήκη της Λωζάνης απαιτεί την ανταλλαγή πληθυσμών και αυτό το συγκλονιστικό γεγονός γίνεται η αφορμή για να μεταφερθούμε ως θεατές στην έπαυλη της οικογενείας Βλαστού, μιας ευκατάστατης ελληνικής οικογένειας με ρίζες στην Ανατολία, που εξαναγκάζεται να εγκαταλείψει τη ζωή, την περιουσία και τις αναμνήσεις της για να βρεθεί βιαίως στην Ελλάδα.

Η ιστορία της οικογένειας, είναι ουσιαστικά η ιστορία των Ελλήνων της περιοχής. Αναμνήσεις ενός μεγαλειώδους παρελθόντος, ανθρώπινες απώλειες στους απανωτούς πολέμους και στις εχθροπραξίες, μικρές και μεγαλύτερες τραγωδίες ανθρώπων που υπήρξαν στενά δεμένοι με την οικονομία, την ιστορία και τον πολιτισμό της περιοχής.

Παράλληλα, παρακολουθούμε τις ζωές των Τούρκων, που είναι μάρτυρες των ίδιων ιστορικών γεγονότων, που τα έχουν ζήσει από τη δική τους σκοπιά, με τις δικές τους απώλειες και τη δική τους συναισθηματική φόρτιση.

Η πρότερη αρμονική συνύπαρξη των εθνών έχει δώσει τη θέση της στις συγκρούσεις, στην απόλυτη οδύνη, στα ματαιωμένα όνειρα. Και η Σμύρνη, από αμάλγαμα διαφορετικών πολιτισμών, εθνικοτήτων, θρησκειών, γίνεται το σύμβολο της διάψευσης.

Τουρκικά και ελληνικά τραγούδια που ερμηνεύονται επί σκηνής ως μέρος της δραματικής πλοκής, αποδεικνύουν και υπογραμμίζουν τη σχέση μεταξύ των δύο πολιτισμών και την αλληλεπίδραση των ανθρώπων, που για τόσους αιώνες έζησαν στενά.

Το Θέατρο Πέρα ιδρύθηκε την περίοδο 2000 – 2001, υπό την καλλιτεχνική διεύθυνση της Νεσρίν Καζάνκαγια (Nesrin Kazankaya) και δραστηριοποιείται στην Κωνσταντινούπολη. Έχει τιμηθεί με πολλά βραβεία, έχει συμμετάσχει σε διεθνή φεστιβάλ και περιοδεύει ανά τον κόσμο. Η Νεσρίν Καζάνκαγια είναι ηθοποιός και σκηνοθέτης, διδάσκει θέατρο, είναι μεταφράστρια και θεατρικός συγγραφέας. Έχει υπάρξει Καλλιτεχνική Διευθύντρια του Κρατικού Θεάτρου Κωνσταντινούπολης και είναι μόνιμο μέλος του Κρατικού Θεάτρου Τουρκίας.

Σκηνοθεσία: Νεσρίν Καζάνκαγια
Βοηθός σκηνοθέτη: Ζεϊνέπ Οζντέν
Δραματουργία: Σαφάκ Ερουγιάρ
Σκηνικά: Μπασάκ Οζντογάν
Κοστούμια: Φατμά Οζτούρκ
Φωτισμοί: Ζεϊνέπ Οζντέν

Ερμηνεύουν

Αϊσάν Σουμερτζάν, Μουχάμμετ Ουζουνέρ, Νεσρίν Καζάνκαγια, Ντέφνε Χαλμάν / Μπασάκ Μεσέ, Εμρέ Τσακμάν, Ντογάν Ακντογάν, Λίντα Τσαντίρ, Ιλκέρ Γιγέν, Σελίν Σεβντάρ, Ασίρ Άκκαγια

 
 


Τιμές εισιτηρίων: 20 € (κανονικό), 15 € (μειωμένο), 10 € (φοιτητικό, άνω 65), 5 € (ανέργων, ΑΜΕΑ)

ΠΡΟΠΩΛΗΣΗ ΕΙΣΙΤΗΡΙΩΝ

– Τηλεφωνικά με πιστωτική κάρτα & πληροφορίες : 210 32 72 000

– Μέσω Internet www.greekfestival.gr

– Από τα Εκδοτήρια του Φεστιβάλ Αθηνών :

ΚΕΝΤΡΙΚΑ: Πανεπιστημίου 39 (εντός στοάς Πεσμαζόγλου)

Δευτέρα – Παρασκευή 09.00 -17.00 Σάββατο 09.00-15.00

ΠΕΙΡΑΙΩΣ 260: Δύο ώρες πριν από την έναρξη της παράστασης.

Εισιτήρια πωλούνται επίσης από τα βιβλιοπωλεία ΠΑΠΑΣΩΤΗΡΙΟΥ και

τα καταστήματα PUBLIC.

ΕΙΣΙΤΗΡΙΑ ΜΕΙΩΜΕΝΗΣ ΤΙΜΗΣ

ΦΟΙΤΗΤΙΚΑ. Ισχύουν για παιδιά και νέους από 6 έως 18 ετών, φοιτητές, πολύτεκνους, στρατιώτες, άτομα άνω των 65 ετών.

ΜΕΙΩΜΕΝΑ. Ισχύουν για ηθοποιούς, χορογράφους, σκηνοθέτες, θεατρολόγους με ενημερωμένη κάρτα του Σωματείου τους για τις παραστάσεις στους χώρους της Πειραιώς 260.

ΑμεΑ. Ισχύουν για τα άτομα με 67% και άνω αναπηρία καθώς και για ένα συνοδό σε προβλεπόμενες θέσεις με εισιτήριο φοιτητικής τιμής.

ΑΝΕΡΓΩΝ. Ισχύουν για ανέργους με ενημερωμένη κάρτα ΟΑΕΔ για περιορισμένο αριθμό θέσεων.

Theatre Cultures
Μπορείτε να εγγραφείτε με email στις προτάσεις του Theatre Cultures
ΕΔΩ μπορείτε να λαμβάνετε πληροφορίες του Facebook Theatre Cultures
(νέο)

«Τζόρνταν» των Άννα Ρέυνολντς και Μόιρα Μπουφίνι

«Τζόρνταν», των Αννα Ρέυνολντς και Μόιρα Μπουφίνι, σε σκηνοθεσία Νίκου Μαστοράκη.

Μια συγκλονιστική μαρτυρία, βασισμένη στην αληθινή ιστορία της Σίρλεϊ Τζόουνς στη σκηνή του Βασιλικού Θεάτρου, έως τις 29/05/13.

Τον σπαρακτικό μονόλογο ερμηνεύει η διακεκριμένη με το βραβείο «Μελίνα Μερκούρη» αλλά και με το Βραβείο Κοινού 2011 του περιοδικού «Αθηνόραμα», Μαρίνα Ασλάνογλου.

Λίγα λόγια για το έργο

Σε μια αίθουσα αναμονής του δικαστηρίου, η Σίρλεϊ περιμένει την ετυμηγορία των δικαστών. Ο βάναυσος εραστής της, αλλά και η πρόνοια θέλουν να της πάρουν το παιδί, όμως εκείνη δεν μπορεί να ζήσει χωρίς τον Τζόρνταν, ούτε ο Τζόρνταν χωρίς εκείνη.

Mια αληθινή ιστορία, που το κεντρικό πρόσωπο, η Σίρλεϋ Τζόουνς αποκάλυψε στην Άννα Ρέυνολντς, τη μια από τις δύο συγγραφείς, όταν οι δυό τους ήταν συγκρατούμενες στη φυλακή.

«Τζόρνταν», ένα έργο που παρουσιάστηκε με μεγάλη επιτυχία στην Αθήνα τις θεατρικές περιόδους 2010-11 & 2011-12, με την Μαρίνα Ασλάνογλου να ερμηνεύει – σύμφωνα με τις εξαιρετικές κριτικές- με πάθος, ευαισθησία και σπαραγμό τη Σίρλεϊ και, τελικά, να κατορθώνει να δώσει στον θεατή όχι μελαγχολία, αλλά ευφορία.

ΣΥΝΤΕΛΕΣΤΕΣ:

Μετάφραση: Μάριος Πλωρίτης
Σκηνοθεσία: Νίκος Μαστοράκης
Ερμηνεύει η Μαρίνα Ασλάνογλου

Λήξη παραστάσεων: Τετάρτη 29/05/2013

Ημέρες Παραστάσεων: Τετάρτη, Πέμπτη, Παρασκευή, Σάββατο
Τετάρτη 21.00, Σάββατο 18.00

Τιμές εισιτηρίων:

Κανονικό εισιτήριο:  12 ευρώ
Φοιτητικό- Ομαδικό: 10 ευρώ
Άνεργοι: 5 ευρώ

Προπώληση εισιτηρίων:

Ταμεία ΚΘΒΕ, Kαταστήματα Public Θεσσαλονίκης, www.public.gr, Τηλ: 13855 viva.gr

Ώρες λειτουργίας ταμείων

Eταιρεία Μακεδονικών Σπουδών (Εθνικής Αμύνης 2): Τρίτη-Κυριακή: 9.30 π.μ.-21.30 μ.μ
Βασιλικό Θέατρο (Πλατεία Λευκού Πύργου): Τρίτη-Κυριακή: 9.30 π.μ.-21.30 μ.μ

Τηλ. κρατήσεων: 2315 200200

ΒΑΣΙΛΙΚΟ ΘΕΑΤΡΟ (Πλατεία Λευκού Πύργου)

Theatre Cultures
Μπορείτε να εγγραφείτε με email στις προτάσεις του Theatre Cultures
ΕΔΩ μπορείτε να λαμβάνετε πληροφορίες του Facebook Theatre Cultures
(νέο)